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EL ARTE DE LA PRÁCTICA DEL VIOLONCHELO POR CHRIS HOYLE

 

Chris Hoyle, director de cuerdas del Royal Northern College of Music, ha estado dando conferencias especializadas sobre la práctica durante muchos años y le estamos muy agradecidos por compartir su inspiración y conocimientos aquí en un artículo especial extendido:.

‘Somos lo que hacemos repetidamente. La excelencia, por tanto, no es un acto sino un hábito.’ (Aristóteles)

¿Alguna vez te has preguntado qué proporción de tu tiempo de tocar lo dedicas a actuar en lugar de a practicar? Sorprendentemente, probablemente dedicamos sólo el 2% de nuestro tiempo de tocar a actuaciones públicas, en comparación con el 98% de nuestro tiempo practicando. El público sólo experimenta esta punta musical del iceberg, mientras que debajo del agua se encuentra la estructura enorme de la masa total del iceberg, que corresponde a todas esas horas que trabajamos sin que los demás nos vean. Como estudiantes y profesionales, dedicamos mucho pensamiento al arte de la interpretación y a esas horas cruciales que pasamos en el escenario, pero debemos pensar al menos tanto (si no más) en el 98% de nuestro tiempo que dedicamos a practicar. : el medio por el cual conseguimos lograr nuestro objetivo como músicos intérpretes.

He escuchado a muchos músicos en actividad describir que tienen cada vez menos tiempo disponible para practicar durante sus carreras profesionales, debido a las diversas presiones de la vida familiar y laboral. Muchos recuerdan sus días de estudiantes como el período en el que tenían más tiempo disponible para la calma y la práctica. En este breve artículo, no puedo ofrecerle una estrategia única para todos, pero espero ofrecer elementos en los que reflexionar y animarle a cuestionar lo que ya hace en este sentido.

Los músicos jóvenes me preguntan a menudo “cuánto deberían practicar cada día”. La mayoría de los lectores estarán familiarizados con la regla de las 10.000 horas del Dr. Ericsson y, si bien debemos comprometernos a trabajar duro, la experiencia me ha enseñado que nuestra tasa de mejora no es necesariamente proporcional al número de horas que invertimos en la práctica.

Practica mental

“Si puedes bailar, cantar o pensar en la música mejor que tocarla, entonces podrás avanzar más rápidamente hacia tus objetivos”. Henning Kraggerud, presidente internacional de violín de RNCM.

Antes de hablar de práctica en un sentido tradicional, es útil considerar qué otras actividades cuentan como práctica, incluso si no estás tocando tu instrumento. Por ejemplo, ¿leer la partitura de tu obra y memorizar tu música cuenta como práctica? En mi opinión, ¡sí! ¿Qué tal leer sobre música y estilo de interpretación (historia, biografías, cartas)? ¡Absolutamente! Un libro que inspiró a Paul Tortelier fue Les Cathédrales de France de Auguste Rodin. ¿Es tal lectura una práctica? ¡Sí! Después de todo, son nuestras mentes, no nuestras manos, las que marcan el camino a la hora de interpretar nuestra música. Un trabajo valioso fuera del instrumento también incluye aprender la parte del piano, comprender las armonías, cantar el repertorio y elaborar su interpretación. Estos son ejemplos de práctica mental, que es un aspecto de vital importancia de nuestro trabajo y digno de un artículo aparte.

Práctica inteligente

‘Practica con los dedos y necesitarás todo el día. Practica con tu mente y lograrás lo mismo en una hora y media.’ Leopold Auer, profesor de Nathan Milstein.

Desde la perspectiva de Auer, no se trata sólo de practicar más tiempo, ¡sino de practicar de forma más inteligente! Se trata de lograr en 2 horas tanto como otra persona logra en 4 horas: dedicar menos tiempo pero realizar una práctica más productiva.

Esto es lo que dice Yo Ya Ma: “Nunca he practicado mucho. Cuando estaba en la escuela secundaria, sólo practicaba unas dos horas al día. Una vez practiqué cuatro horas al día durante un mes entero y me sentí eufórico. “Dios mío”, pensé, “¡de hecho, he hecho eso!” Como no me gusta trabajar duro, tuve que volverme eficiente en mi práctica. Tuve la suerte de que, gracias a mi padre, tenía una base tremendamente buena. Es la concentración lo que cuenta. Lo odié, pero valió la pena porque hoy puedo tomar una parte (de 20 a 25 minutos) y probablemente aprenderla en dos semanas trabajando de dos a tres horas al día. Esto no es talento; no tengo un talento extraordinario en ese sentido. Viene de la cantidad de tiempo que he dedicado a hacer este tipo de cosas”. De una entrevista en la revista Strad de diciembre de 2016.

La práctica inteligente es principalmente un proceso de pensamiento vibrante donde cada segundo cuenta. Esto significa aplicar verdadera agilidad mental a todo lo que hacemos: el por qué, el cómo, la capacidad de escucha objetiva, los procesos de resolución de problemas y la visión artística.

Práctica con propósito

Aquí hay una cita de la violinista y psicóloga formada en Juilliard, Noa Kageyama, que encontré en el excelente libro de Matthew Syed, Bounce, que describe el poder de la práctica con propósito. Es un libro que recomiendo a todos nuestros estudiantes de la RNCM.

“La práctica deliberada o consciente es una actividad sistemática y altamente estructurada, es decir, a falta de una palabra mejor, “científica”. En lugar de prueba y error sin sentido, es un proceso activo y reflexivo de prueba de hipótesis en el que buscamos incansablemente soluciones a problemas claramente definidos”. Noa Kageyama

Como músicos, debemos evaluar qué elemento de nuestra interpretación estamos tratando de mejorar y luego determinar qué pasos debemos seguir para lograr nuestros objetivos, a fin de saber por qué estamos haciendo lo que estamos haciendo. Por el contrario, muchos de nosotros somos culpables de practicar sin sentido: seguir los movimientos, emplear un enfoque de prueba y error y corregir rápidamente las fallas para poder seguir adelante. ¿Una práctica como esta realmente hace la perfección? Lamentablemente, creo que hay personas que practican ahora y que están empeorando. Con la mente apagada, sólo están fortaleciendo sus malos hábitos. Todo lo que hacemos repetidamente, bueno o malo, lo convertimos en un hábito. ¡La práctica hace permanente! ¡Y eso es una advertencia sanitaria!

Guía para practicar

  • Considere su plan
  • Tocar, escuchar objetivamente
  • Evaluar. Identificar un área/aspecto a mejorar
  • Diseñe un mecanismo para trabajar en este problema, es decir, que sea una solución.
  • Haga esto con paciencia y aplíquelo cuidadosamente.
  • Toque de nuevo
  • Escuche y reevalúe. ¿Ha funcionado la estrategia anterior?
  • En caso negativo, continúe con el mismo enfoque o diseñe otro método. En caso afirmativo, reproduzca la sección nuevamente e identifique un aspecto diferente que se debe mejorar.

1)  Considere su plan

La preparación mental es esencial para establecer un modelo para tu forma de tocar. ¿Qué buscas al tocar? ¿Cuál es tu visión? Aliméntate de tantas fuentes musicales y artísticas como sea posible: asiste a conciertos cuando sea posible, escucha a “todos los que son cualquiera”, escucha grabaciones y mira vídeos de grandes intérpretes. De ninguna manera sugiero que clonemos la forma de tocar o las interpretaciones de otros, sino más bien que plantemos ejemplos de buen arte en nuestras mentes. Si quieres ser un buen escritor, dicen, debes leer mucho. Lo mismo ocurre con los músicos. Necesitamos crear nuestra propia interpretación personal de una pieza y creo que la mejor manera de hacerlo es trabajar lejos de tu instrumento en las primeras etapas para que tu cabeza, no tus manos, dicte cómo expresar la pieza. Cante la música, en lugar de permitir que sus manos sugieran una solución o interpretación fácil.

Evolucione su interpretación: estudie la partitura, imagine los personajes, los contornos y los colores. Mire la arquitectura de la obra en términos de armonías, altibajos y el espectro emocional. ¿Qué calidad de tono busca? Cuando estudié con Alexander Baillie, me animaba a desplegar “un tono amplio y cálido” en grandes secciones de una sola pieza. Ese era el modelo en el que estaba trabajando en ese momento y en ese repertorio. Imagine los colores tonales y las texturas en las que está trabajando en los distintos episodios de su repertorio. ¿Podría ser una frágil tela de gasa o un rico terciopelo? Animo a mis alumnos a visualizar el cuerpo de su instrumento vibrando, para que puedan tocar libremente y permitir que el sonido se proyecte.

2) Tocar, escuchar objetivamente.

Una habilidad crucial que debes adquirir es la de escucharte a ti mismo de manera objetiva y crítica, para que puedas comenzar a convertirte en tu propio maestro. Como músicos debemos ser tanto subjetivos como objetivos. Toca con compromiso, pero también escucha, como si estuvieras entre el público.

Leon Fleischer, un pianista estadounidense descrito como “el hallazgo pianístico del siglo”, sugirió que un músico intérprete debería dividirse en tres personas:

  • La persona A mira la partitura y trata de entender de qué se trata (ese es el modelo en el que estábamos pensando).
  • La persona B intenta expresar este contenido con el instrumento.
  • La Persona C está entre la audiencia, escuchando e informando si los conceptos de la Persona A realmente se entienden. La persona C es la más difícil de desarrollar: esa es la parte en la que usted brinda retroalimentación objetiva y en vivo, lo que nos lleva al siguiente punto:

3) Evaluar.

Esto es el resultado de la escucha crítica. Privilegie a su Persona C. La retroalimentación objetiva es esencial para una práctica productiva. Necesitamos identificar qué está mal para mejorar. Esta fase a veces se denomina “incompetencia consciente”. Si no sabes cuál es tu objetivo inmediato, ¿cómo puedes lograrlo? ¡No vuelvas a tocar y decídete a “esforzarte más”!

Formas útiles de evaluarte objetivamente incluyen hacer una grabación de audio o video de ti mismo (ambas son rápidas y fáciles de hacer en tu teléfono) o jugar frente a un espejo que revela tu postura y técnica básica. De esta manera, estás asumiendo el papel de tu maestro, siendo ese par de oídos y ojos externos durante tu práctica. Durante el encierro les pedí a mis alumnos que me enviaran videos y, además de enviarles mis comentarios, les pido que criticaran su propio juego utilizando sus videos.

Ahora que ha escuchado y evaluado, defina los problemas y asígneles nombres. ¿En qué aspecto has elegido trabajar: el orden, la afinación, la uniformidad, un gran cambio, tu sentido de la línea, la articulación del arco, la variedad del vibrato, el color tonal, el drama musical, tus poderes para contar historias musicales? Identificar un aspecto a mejorar.

4) Diseñe un mecanismo para trabajar en este problema

O, como dice Kageyama, “Busque incansablemente soluciones a problemas claramente definidos”. En este punto, necesita habilidades de pensamiento lateral, capacidad para descifrar códigos y buena imaginación. Estas son las herramientas clave para la práctica real. Considere qué método emplear para abordar cada problema. ¡Recuerda que nunca existe una única fórmula para abordar cada problema! Lo que hace que nuestra vida como músicos practicantes sea tan interesante es la oportunidad de ser disciplinados y creativos en nuestro trabajo.

Una vez tuve la oportunidad de preguntarle a un gran chef sobre los secretos de su éxito. Explicó que el 90% de una comida verdaderamente excelente consiste en utilizar los mejores ingredientes. Esto me animó a pensar en nuestro desarrollo como intérpretes de cuerdas y en cómo podemos refinar cada “ingrediente” para que, cuando los juntemos, tengamos la mejor oportunidad de presentar una música deliciosa, exquisita y suntuosa. ¿Cuáles son los ingredientes clave de tu forma de tocar que quizás desees refinar: cambios en el arco del talón, flexibilidad en el vibrato?

En este breve artículo, sólo es posible sugerir unos pocos mecanismos de práctica:

Mecanismos para mejorar el orden:

Imaginemos que en su repaso más reciente de una pieza, un pasaje en particular usted era propenso a errores y desprolijidad. En este caso, orden es el nombre del asunto en el que ha decidido trabajar y el mecanismo que ha elegido para trabajar en este problema es práctica lenta. Adrienne Schroeder (Power Piano Teacher) escribe: “Mis padres, ambos músicos, solían decir: “Practica lentamente para obtener resultados rápidos”. ¡Por mucho que lo odiara cuando era niño, es verdad! Encuentra un tempo lo suficientemente lento que te permita tocar el pasaje de manera uniforme y con control total. Saca el calor emocional y date el tiempo y el espacio mental para lograr versiones limpias, uniformes, afinadas y bien articuladas. A esta velocidad lenta, reproduzca repetidamente versiones “perfectas”. En el deporte, este proceso a veces se denomina “grooving”. Una vez que el pasaje esté limpio y ordenado a baja velocidad, aumente ligeramente el tempo, asegurándose de no aumentar nunca el tempo hasta que sea “perfecto” en la velocidad más lenta.

Este proceso funciona bien para preparar movimientos de Bach solista; sus versiones lentas le permiten ejecutar la música con el máximo control, articulación y destreza. Empieza a añadir las características de la versión full-speed: utiliza la misma parte del arco, la misma arquitectura y atención a los finales de frase. Sin embargo, tenga en cuenta que a velocidades más lentas, es posible que los golpes del arco fuera de la cuerda deban convertirse en la cuerda. Durante un período de días y semanas, realice aumentos graduales en el tempo, asegurándose de nunca abandonar un tempo hasta que la interpretación esté lista para el concierto en ese tempo. La calidad sigue siendo la constante en este proceso y es un método que, según tengo entendido, Heinrich Schiff empleó en su propia enseñanza y forma de tocar.

Otro mecanismo práctico para abordar la cuestión del orden es: tocar al ritmo, pero en pequeños fragmentos: en este caso, tome un pequeño grupo de notas, tal vez sólo 4 o 5, pero tómese unos 10 segundos de tiempo para pensar entre cada una. repeticiones. Esto le permite conservar su postura mental e imaginarse la breve ráfaga de notas que está a punto de tocar.

Mecanismos para mejorar la afinación:

  • Toque sin vibrato.
  • Cambie la dinámica a un solo fuerte claro y no forzado para que su instrumento resuene libremente. (No es útil tocar ff o pp cuando se trabaja en la entonación).
  • Toca legato, practicando secciones fuera de la cuerda a la cuerda. De manera similar, cambie los pasajes de pizzicato a arco.
  • Toque despacio. Modifique el ritmo, cambiando los valores de las notas cortas por otras más largas, permitiéndose registrar y corregir cada nota.
  • Aproveche las oportunidades para pausar y verificar notas individuales con sus cuerdas al aire, verificando sus intervalos perfectos, unísonos, cuartas, quintas y octavas.

A continuación, en lugar de detenerse a revisar nota por nota, busque un pequeño grupo relevante de notas que pueda repetir en un círculo para que la nota final lo lleve de regreso a la primera. Repita este pequeño ciclo de notas sin parar, registrando cada vez qué nota estaba desafinada y cómo hay que corregirla. En cada “circuito”, ajuste las notas que le preocuparon la vez anterior. De esta manera, hay una sensación de flujo, más cercana a la interpretación real, en lugar del proceso un tanto estático de alinear una nota a la vez, como en la versión de verificación cruzada anterior. Sin embargo, debo decir que una buena entonación comienza con nuestros oídos y con nuestro entrenamiento auditivo continuo. ¡No podrá entrenar tus dedos hasta que haya afinado tus oídos!

Mecanismos para mejorar el fraseo:

Ha formado su objetivo o modelo musical leyendo la música, viendo los contornos de la página, sintiendo las tensiones armónicas y cantando la pieza (ya sea en voz alta o mentalmente). Sin embargo, cuando evaluó su interpretación, es posible que la música haya sido algo plana o sujeta a las cualidades individuales de los arcos descendentes y ascendentes, es decir, diminuendi de arco descendente y crescendi de arco ascendente.

Aquí hay un par de mecanismos que le ayudarán a expresarse con más eficiencia:

  • Toque más lento que el tempo deseado para hacer el pasaje más difícil. A esta velocidad más lenta, haz un esfuerzo consciente para crear las formas musicales que tienes en mente. Cuando regreses al Tempo 1, las formas generales deberían ser más fáciles de representar. Toque la frase más rápido que el Tempo 1 para obtener una descripción general del pasaje. De esta manera, podrás obtener una comprensión más clara de los contornos y la sensación de flujo. William Pleeth describe bien este proceso en el capítulo sobre “Los ingredientes de la arquitectura” de su excelente libro, The Cello.
  • Sin metrónomo, déjese llevar por la exageración del flujo y reflujo y el rango dinámico, al estilo de Puccini. ¡Sea atrevido, incluso indulgente consigo mismo y ponga a prueba sus límites expresivos! Por el contrario, utilice un metrónomo para darle fuerza subyacente a su interpretación. Trabaje con el metrónomo en negras, luego en corcheas y luego en semicorcheas para permitir espacio para respirar, rubati (tiempo elástico) y sutilezas de sincronización dentro de un marco estructurado.

5)  Aplique este mecanismo de práctica con atención y paciencia.

En definitiva, tómese su tiempo y practique con calma. ¡No sea como un terrier luchando con un hueso!

Mantenga la compostura y tómese unos segundos para pensar, entre repeticiones, para que pueda concentrarse plenamente en cada esfuerzo. Como estudiante, recuerdo los repetidos gritos de frustración de alguien que practicaba en la habitación contigua a la mía. ¡Un día los gritos se convirtieron en llanto cuando se rompió el pie en la puerta del armario! Por el contrario, imaginemos a un científico en un laboratorio evaluando con calma qué experimentos han funcionado y cuáles no. La práctica debe ser un proceso reflexivo, probando pacientemente varios métodos hasta lograr un gran avance.

6) Toque de nuevo
Después de examinar y practicar los componentes individuales, es hora de volver a armar la frase. Disfrute recorriendo el pasaje un par de veces.

7) Escuche y reevalúe.

¿Ha funcionado su estrategia para mejorar el aspecto elegido?

Si la respuesta es ‘No’, continúe con el mismo enfoque (es posible que haya elegido una técnica de práctica perfectamente adecuada, pero tal vez necesite más tiempo) o diseñe otro método (como se indicó anteriormente, hay varias formas de abordar un problema. ) En caso afirmativo, reproduzca la sección nuevamente e identifique un aspecto diferente que se debe mejorar.

¡El plan anterior es ciertamente una fórmula! Espero que, al menos, ayude enumerar algunos de los procesos del trabajo concienzudo en la práctica. Con el tiempo, se vuelve menos (me atrevo a decir) obsesivo, ya que un área fluye naturalmente hacia otra. Sin embargo, este plan viene con una salvedad: representa sólo una forma de trabajar y no la única forma.

Los aspectos valiosos de la práctica que no he cubierto en este artículo son: por ejemplo, el calentamiento, el aprendizaje de la práctica de escalas, una actitud saludable hacia el libro de estudio, la lectura a primera vista y la improvisación.

Mi colega Henk Guittart, tutor internacional de RNCM en interpretación y pedagogía de cuerdas, recomienda utilizar una combinación diaria de estos elementos:

1) Revisar el repertorio antiguo (para consolidarlo y reelaborarlo)
2) Material en el que está trabajando ahora,
3) Material nuevo (piezas de música conocida para tu instrumento que aún no has tocado, así como música que no conoces en absoluto para lectura a primera vista y práctica de estudio rápida).

El violinista noruego Henning Kraggerud es un gran defensor de la improvisación durante el tiempo de práctica, creyendo que es un gran liberador de todos los procesos creativos. Aboga por tocar algunas canciones que hayan significado algo para ti desde pequeño y sugiere intentar dejarte totalmente libre durante 10 minutos cada día sin intentar nada más que disfrutar el momento, tanto física como espiritualmente.

Dado que practicar, en lugar de actuar, ocupa la mayor parte de nuestro tiempo como músicos, necesitamos tener una relación feliz con ello para poder disfrutar durante toda la vida del amor por tocar solos y en conjunto. Con el enfoque correcto, la práctica disciplinada puede ser creativa, satisfactoria, e incluso estimulante: ¡una forma de arte en sí misma!

© Chris Hoyle 2020

Puede leer más sobre el trabajo de Chris Hoyle como Jefe de Cuerdas en el RNCM aquí: