Claves mecánicas para sacarle un sonido con alma al chelo

Si estás arrancando y querés sacarle un sonido con alma al chelo, es probable que ya hayas notado que lograr un sonido con cuerpo, profundidad y carácter no es algo que ocurra de manera automática. No es sólo pasar el arco,aunque al principio eso ya cueste un poco. Requiere técnica, sí, pero sobre todo requiere entender la física detrás de cada movimiento.

A continuación resumimos los conceptos fundamentales para encontrar tu punto óptimo de sonido.

1. El agarre y la tracción: clavar el arco en la cuerda

Para que el chelo no sisee ni suene delgado, el arco tiene que morder la cuerda desde el primer milímetro. La timidez en el ataque es el primer enemigo del sonido.

• Clavar la vara: Consiste en aplicar presión hacia abajo sobre la cuerda para que las cerdas se adhieran y la hagan vibrar con amplitud. La cuerda tiene que oscilar de manera amplia.
• La inclinación de la mano (pronación): Hay que angular la mano hacia la izquierda, como si estuvieras volcando una jarra. Ese giro natural de la muñeca es el que traslada el peso del brazo directamente a la vara, sin fuerza bruta en los dedos.
• El ejercicio del helicóptero: Heredado del método Suzuki. Mové todo el brazo derecho en círculos amplios, aterrizá con el arco desde el talón (frog) sobre la cuerda, clavá la vara con el giro de muñeca y tirá con decisión. Probalo en las cuerdas Do o Sol: el chelo empieza a resonar de otra manera.

2. Movimiento continuo: que no se corte el legato

Los cortes son el peor enemigo de la musicalidad. El arco no puede frenarse de golpe al cambiar de dirección; el movimiento tiene que ser continuo y fluido.

• La resistencia en el upbow: Cuando vayas con el arco hacia arriba, imaginá que estás venciendo una resistencia suave. Sentí ese peso, bajá levemente hacia la cuerda y “sacá” el sonido con un movimiento circular.
• El dibujo del “8” infinito: Pensá que estás trazando un ocho acostado con la punta del arco. Este movimiento circular es lo que permite enganchar el downbow con el upbow sin que quede un hueco de silencio en el medio.

3. Postura y física: el secreto está en el peso muerto

Una verdad fundamental: la fuerza traba el sonido; el peso lo libera. Tocar con tensión produce un sonido estrangulado, sin resonancia.

• Hombros relajados: Un ejercicio útil es subir los hombros hasta las orejas, tensionarlos al máximo a propósito, y soltarlos de golpe. Tienen que quedar completamente abajo. Mantenerlos así permite que la gravedad haga su trabajo.
• Peso muerto del brazo: No aprietes con los músculos de la mano. Dejá caer el peso natural de tu brazo sobre el arco. Más masa relajada es igual a un sonido con más cuerpo. No hay tensión, sino peso. Es difícil al principio, pero es el secreto del sonido de los grandes chelistas. Veamos a la gran Jackie y su “bracito rechoncho” (El término fue creado por un amigo colega). Observen que, si bien el sonido es grandioso al principio (Gran concierto el de Elgar, sublime interpretación), el arco pasa a todo su largo, el bíceps del brazo de ella no se contrae ni un poquito, pasando por fortissimo al pianissimo con la misma relajación. No hay un ejemplo mejor, pero lo van a encontrar en todos: Mischa Maisky, Rostropovich, Yo Yo Ma.

4. La geometría del arco respecto al instrumento

El arco tiene que mantener una relación estricta con el chelo en todo momento.

• Ángulo recto (90 grados): El arco tiene que estar perfectamente perpendicular a la cuerda durante todo el recorrido, desde el talón hasta la punta. Un truco útil: bajá levemente el puntal o pica (endpin) del chelo. Al inclinar el instrumento hacia arriba, podés chequear visualmente con más facilidad si estás yendo derecho.
• Distancia constante: El arco se mueve en una línea paralela al puente y perpendicular al diapasón, manteniendo la misma distancia durante toda la pasada.

---

5. Velocidad, distancia al puente y el punto óptimo

Controlar dónde tocás y a qué velocidad movés el arco te da el control del color del sonido.

• El punto óptimo (The Groove): Es la zona ideal para tocar, un poco más arriba del centro exacto del espacio entre el puente y el final del diapasón. ¿Cómo sabés si estás ahí? Limpiate las cuerdas y empezá a tocar: si el arco va recto, la resina va a dibujar una línea blanca sobre las cuerdas. Ese es tu canal.
• El peligro de los extremos: Cerca del puente el sonido se vuelve áspero y chillón. Cerca del diapasón, flojo y sin núcleo. El punto óptimo suele estar a unos 4 o 5 centímetros por encima del puente. Es variable en cada instrumento, pero si observamos algo interesante nos damos cuenta: está en proporción áurea. Como todo en la naturaleza, las proporciones “bellas” son siempre las mismas. La propoción áurea se usa en otras parte del instrumento, hablaremos de eso en otro artículo. Pero podés investigar un poco leyendo esto. Los otros puntos se usan para colores específicos que requieren determinadas obras, pero el sonido base está aquí.
• Velocidad vs. resistencia: Si pasás el arco muy rápido, el sonido patina por arriba de la cuerda y pierde consistencia. Para sacar un sonido con cuerpo, pasá el arco un poco más lento, sentí la resistencia y dejá que el peso hunda las cerdas. La velocidad vendrá después; primero, el sonido base.

La rutina de estudio recomendada

Para que todo esto no quede en teoría, una práctica diaria que funciona: poné el metrónomo a una velocidad cómoda y dedicale un buen rato a tocar cuerdas al aire, con notas largas (blancas o redondas). Pasá de forma ordenada por las cuatro cuerdas (Do, Sol, Re, La), concentrándote únicamente en mantener los hombros abajo, el arco a 90 grados y el peso del brazo generando resonancia. Dejá al arco pegarse a la cuerda.

¡A practicar se ha dicho! Dejanos en los comentarios cómo te fue aplicando estos trucos y cuál te costó más dominar.

Si aún no tenés un cello propio, y querés comprar uno, pasate por el artículo donde te aconsejamos lo que tenés que saber para comprar bien.